Portale dei Musei in Comune

Il volume costituisce la più recente e completa monografia dedicata alle opere di architettura realizzate a Roma da Michelangelo Buonarroti (1475-1564).
La pubblicazione, edita in concomitanza con la mostra ospitata in autunno ai Musei Capitolini, che si preannuncia come uno degli eventi di maggior richiamo nella capitale, riunisce gli interventi dei più affermati studiosi italiani e stranieri di Michelangelo, che indagano ogni aspetto relativo alla produzione architettonica michelangiolesca nell’urbe.
Vengono infatti analizzati tutti i progetti concepiti dal maestro durante gli anni che vanno dal 1505 al 1516 e dal 1534 al 1564, date di permanenza dell’artista in città: dalla Cappella Sistina alle dimore private, dalle fortificazioni cittadine agli interventi per la basilica di San Pietro, dalla ristrutturazione di piazza del Campidoglio, fino a Porta Pia.
Una ricca sezione iconografica riproduce la raccolta dei disegni e dei progetti presentata in mostra, provenienti da importanti istituzioni italiane, che consentono di tracciare il profilo dell’attività di Michelangelo dalla giovanile passione per l’arte classica all’innovazione compositiva della maturità.
Il volume è corredato da una bibliografia aggiornata.

Il nucleo di duecento opere inedite, esposto per la prima volta nella sua completezza a Roma, è costituito da dipinti su carta di piccole dimensioni realizzati negli anni Quaranta, ritrovati dopo decenni presso l'Archivio del Cavallino.
Il catalogo di mostra si lega alla relazione di Zavattini con il collezionista e gallerista Cardazzo, il cui salotto veneziano costituiva all'epoca una sorta di cenacolo intellettuale frequentato dai principali letterati e artisti italiani d'avanguardia, tra cui appunto Zavattini.
Nel 1943 in occasione della prima edizione del Premio Cavallino, l'artista è tra gli ideatori della mostra Gioco del Paradiso dove sono presenti disegni e dipinti di letterati italiani, tra cui Dino Buzzati, Antonio Delfini, Eugenio Montale, Leonardo Sinisgalli. Zavattini conseguirà il primo premio, stipulando così con Cardazzo un vero e proprio contratto.
Dal catalogo emerge la trasversalità del personaggio Zavattini che, per vocazione ed indole, spazia tra cinema, letteratura, giornalismo, pittura, e soprattutto narrazione. Questo insolito "Zavattini a colori" è sicuramente meno noto di quello "in bianco e nero" dei suoi film, ma altrettanto ricco di immaginazione e capace di raccontare storie e personaggi e di sorprenderci ancora.

Il volume è un supporto all'omonima mostra aperta all'Ara Pacis, curata da Achille Bonito Oliva, Federica Pirani, James Putnam. Le foto di Ferdinando Scianna documentano la mostra da un personalissimo punto d'osservazione mettendone in evidenza le singolari suggestioni. Il connubio tra le istallazioni di Paladino e gli interventi sonori di Eno si rinnova dopo l'esperienza londinese di circa dieci anni fa, si tratta di creazioni che i due artisti hanno specificamente realizzato per l'Ara Pacis di Roma, un luogo carico di valore storico, simbolico ed emotivo.

I Musei Capitolini sono tornati recentemente alla ribalta con l'apertura di una nuova ala che si sviluppa intorno alla grande Esedra del Marco Aurelio, progettata da Carlo Aymonino, che ha ridonato respiro alla celeberrima statua equestre in bronzo dell'imperatore.
Suggestivo è anche l'allestimento degli Horti Romani, con le sculture e i preziosi ornamenti che decoravano le grandi ville con giardino della Roma imperiale, delle sale che ospitano la Collezione Castellani ricca di testimonianze greche ed etrusche, del Medagliere recentemente riordinato come la Galleria Lapidaria, una miniera di importanti iscrizioni.

Il complesso museale capitolino è stato riaperto al pubblico nel corso dell'anno giubilare dopo un lungo periodo di restauro architettonico dei palazzi che si affacciano sulla piazza del Campidoglio. Il museo pubblico più antico del mondo, fondato nel 1471 da Sisto IV con la donazione al popolo romano dei grandi bronzi lateranensi, si presenta con un volto rinnovato, anche nei percorsi espositivi, e soprattutto dotato di servizi efficienti di accoglienza e di merchandising. La guida illustra un percorso unico che valorizza il colle come centro del patrimonio culturale della città, e accompagna la visita dei tre palazzi che delimitano lo spazio michelangiolesco della piazza e i tesori in essi conservati.

Il complesso museale capitolino è stato riaperto al pubblico nel corso dell'anno giubilare dopo un lungo periodo di restauro architettonico dei palazzi che si affacciano sulla piazza del Campidoglio. Il museo pubblico più antico del mondo, fondato nel 1471 da Sisto IV con la donazione al popolo romano dei grandi bronzi lateranensi, si presenta con un volto rinnovato, anche nei percorsi espositivi, e soprattutto dotato di servizi efficienti di accoglienza e di merchandising. La guida illustra un percorso unico che valorizza il colle come centro del patrimonio culturale della città, e accompagna la visita dei tre palazzi che delimitano lo spazio michelangiolesco della piazza e i tesori in essi conservati.

Il complesso museale capitolino è stato riaperto al pubblico nel corso dell'anno giubilare dopo un lungo periodo di restauro architettonico dei palazzi che si affacciano sulla piazza del Campidoglio. Il museo pubblico più antico del mondo, fondato nel 1471 da Sisto IV con la donazione al popolo romano dei grandi bronzi lateranensi, si presenta con un volto rinnovato, anche nei percorsi espositivi, e soprattutto dotato di servizi efficienti di accoglienza e di merchandising. La guida illustra un percorso unico che valorizza il colle come centro del patrimonio culturale della città, e accompagna la visita dei tre palazzi che delimitano lo spazio michelangiolesco della piazza e i tesori in essi conservati.

Il complesso museale capitolino è stato riaperto al pubblico nel corso dell'anno giubilare dopo un lungo periodo di restauro architettonico dei palazzi che si affacciano sulla piazza del Campidoglio. Il museo pubblico più antico del mondo, fondato nel 1471 da Sisto IV con la donazione al popolo romano dei grandi bronzi lateranensi, si presenta con un volto rinnovato, anche nei percorsi espositivi, e soprattutto dotato di servizi efficienti di accoglienza e di merchandising. La guida illustra un percorso unico che valorizza il colle come centro del patrimonio culturale della città, e accompagna la visita dei tre palazzi che delimitano lo spazio michelangiolesco della piazza e i tesori in essi conservati.

In un paese dove fino a cinquant'anni fa si distruggevano edifici barocchi o neoclassici alla ricerca di strutture "originarie" d'alta epoca o semplicemente perché considerati in ogni caso "minori", l'affermarsi dell'archeologia industriale ha del miracoloso. A maggior ragione a Roma, così ricca di monumenti di tutte le epoche, si è scrupolosamente restaurata la vecchia centrale termoelettrica Montemartini, costruita nel 1911 e inaugurata l'anno successivo. Al primo piano della bella struttura liberty, infatti, si possono ancora ammirare due mastodontici motori diesel del 1931 della potenza di 7.500 hp ciascuno, identici a quelli istallati sul Rex, mentre nella sala accanto l'intera parete di fondo è occupata da una colossale caldaia. n questi spazi da Tempi moderni, sembrano pienamente a loro agio alcune fra le maggiori sculture dei Musei Capitolini (palazzo dei Conservatori, Museo Nuovo, Braccio Nuovo). Capolavori classici come la Venere dell'Esquilino, il cosiddetto Bruto Barberini, L'Agrippina minore in preghiera, la Musa seduta, l'Igea, dialogano con pistoni, manometri, tubi e manovelle, in un armonico contrasto di grande suggestione.

Immagini d'autore (le foto di Zeno Colantoni e Araldo De Luca) e un testo adamantino restituiscono la suggestione di uno dei musei "archeologici" più affascinanti di Roma, allestito nei vasti ambienti liberty della Centrale Montemartini sulla via Ostiense, una sede decentrata dei Musei Capitolini, dove sugli scuri e ferrigni macchinari termoelettrici si staglia l'olimpica serenità dei marmi bianchi con un contrasto estetico di inusitato effetto. Un cospicuo contributo di Antonio David Fiore, illustrato da foto d'epoca dell'Archivio Acea, approfondisce la storia, le architetture e il funzionamento della prima centrale termoelettrica di Roma. Edizione in lingua inglese.

L'ampia trattazione del celebre altare in marmo scolpito, cardine del sistema ideologico di Augusto, è accompagnata da un eccellente apparato iconografico dei rilievi dopo il recente restauro, mentre piccole schede illustrano le altre opere coerentemente esposte nel nuovo complesso museale in cui sono presentati anche i risultati dei recenti scavi nell'area. Un contributo specifico riguarda l'edificio, che comprende anche un piccolo auditorium, realizzato dallo studio newyorkese di Richard Meier & Partners che con coraggio ha portato il nitore dell'architettura contemporanea nel cuore di Roma

Un volume sull'Ara Pacis, uno degli esempi più alti dell'arte classica, testimonianza storica di inestimabile valore, arricchita dal nuovo Museo, progettato dallo studio statunitense Richard Meier & Partner Architects.

Nel Settecento l'Aranciera era uno degli edifici più preziosi di Villa Borghese, noto come Casino dei Giuochi d'acqua e teatro di feste e ritrovi mondani. Durante i combattimenti francesi a difesa del papato contro la Repubblica Romana del 1849, subì danneggiamenti e in seguito fu liberamente ricostruito e adattato a custodire gli agrumi, perdendo così tutte le sue preziose decorazioni. Dal 10 maggio 2006 ospita la donazione di un imprenditore italo-americano, Carlo Bilotti, collezionista tra i più noti di arte contemporanea, comprendente 22 opere di particolare pregio tra dipinti, sculture e disegni. L'artista più rappresentato nella donazione Bilotti alla città di Roma è Giorgio de Chirico, presente all'Aranciera di Villa Borghese con opere realizzate dalla metà degli anni Venti agli anni Settanta. Vi sono quindi esposti un dipinto di Gino Severini, un ritratto del collezionista eseguito da Larry Rivers, un grande cardinale in bronzo di Giacomo Manzù e il ritratto di Tina e Lisa Bilotti, moglie e figlia del collezionista, realizzato da Andy Warhol.

Singoli capitoli sono dedicati all'analisi dei dieci edifici maggiori che vi sorgono (e dei musei che saranno destinati a ospitare) a partire dal neoclassico Casino Nobile che un attento restauro ha riportato al suo primitivo splendore dopo decenni d'abbandono: è possibile ammirare così il fastoso salone da ballo ornato di stucchi, la sala ovale delle Muse, le stanze decorate in stile pompeiano o egittizzante. Interessanti anche il Casino dei Principi, un recente e suggestivo spazio espositivo, il Teatro Grande e il Villino Medievale con la sua ludoteca. Il monumento più bizzarro e fascinoso rimane tuttavia indubbiamente la fiabesca Casina delle Civette con le sue splendide vetrate eseguite su disegni di Cambellotti e di grandi artisti del Novecento. Un'appendice dà conto dei diversi disegni dei giardini fra finte rovine, colline artificiali e specchi d'acqua, e delle specie botaniche che fanno la bellezza della Villa.

Delle Mura Aureliane, fatte costruire dall'imperatore omonimo nel 271 d.C. per dotare Roma di difese contro le possibili incursioni dei barbari, sono analizzate la tecnica e le modalità costruttive, la struttura e la forma e le vicende che le hanno rese protagoniste nei secoli fino a farle diventare uno dei simboli della capitale. Arricchiscono il volume, oltre a immagini di oggi, sorprendenti foto d'epoca a documentare la città che non c'è più.

Ecco la nuova guida del Museo dei Fori Imperiali nei Mercati di Traiano a cura di Lucrezia Ungaro con testi di Maria Paola Del Moro, Marina Milella, Lucrezia Ungaro, Massimo Vitti. La guida, bilingue, contiene una raccolta fotografica a colori delle sale espositive del Museo.

La guida, corredata da splendide foto d'autore, descrive puntualmente l'originale complesso architettonico romano cercando di affrontare anche il problema della sua destinazione originaria: grande centro commerciale o modernissimo centro direzionale in cui si trovavano le strutture di servizio del Foro di Traiano, oltre che gli uffici amministrativi e fiscali per la gestione dello Stato? Il volume conduce inoltre il lettore alla scoperta del nuovissimo Museo dei Fori Imperiali che in suggestivi ambienti presenta le preziose decorazioni, dall'età di Cesare a quella postantica, rinvenute nell'area, e propone fedeli ricostruzioni virtuali dei fastosi edifici solo parzialmente conservati.

Il volume illustra gli affreschi e i dipinti delle sale di rappresentanza del Palazzo dei Conservatori, il cosiddetto "Appartamento", destinato alla magistratura, che rivestiva un ruolo particolare nella struttura municipale di Roma, e che conobbe nel Cinquecento un rinnovamento decorativo e artistico culminato nella ristrutturazione michelangiolesca. A Iacopo Ripanda, a Tommaso Laureti e al Cavalier d'Arpino spettò di tradurre unitariamente in pittura le leggende delle origini, gli episodi salienti della storia romana repubblicana con gli esempi di coraggio e di virtù che conservano ancora intatto il loro valore simbolico.

Il quaderno tematico indaga i complessi residenziali immersi nel verde, caratterizzati da uno spettacolare apparato decorativo, nati ai margini del centro monumentale di Roma come prestigiose dimore delle più illustri famiglie gentilizie della tarda Repubblica e poi spesso passate a far parte delle proprietà dell'imperatore o di alti dignitari di corte. Questi capolavori, come l'affascinante Venere Esquilina, sono stati rinvenuti già a partire dal 1870, quando intere zone della città furono scavate, e ora sono esposti nei Musei Capitolini e nella Centrale Montemartini all'interno di raffinati allestimenti.

Il tempio di Giove Capitolino era dedicato a Giove Ottimo Massimo, insieme alle altre due divinità della triade capitolina, Giunone e Minerva. La costruzione fu iniziata da Tarquinio Prisco e portata a termine dall'ultimo re di Roma, Tarquinio il Superbo, ma il tempio fu inaugurato solo all'inizio della Repubblica nel 509 a.C. L'edificio templare sorgeva su un alto podio con scalinata di accesso sulla fronte. Doveva essere circondato da un colonnato su tre lati, con altre due file di colonne allineate con quelle della facciata nel profondo pronao che precedeva le tre celle, quella centrale più larga delle altre secondo i canoni del tempio tuscanico. I resti ancora conservati delle fondazioni e del podio, in gran parte al di sotto del Palazzo Caffarelli, sono costituiti da enormi strutture murarie parallele a blocchi di cappellaccio e testimoniano la grande estensione del basamento del tempio. Sul tetto è ricordata una grandiosa quadriga in terracotta, realizzata dall'artista etrusco Vulca di Veio nel VI sec. a.C. su commissione di Tarquinio il Superbo, sostituita poi da una di bronzo all'inizio del III sec. a.C. Il tempio fu ricostruito in marmo dopo la distruzione totale provocata dai violenti incendi dell'83 a.C., del 69 e dell'80 d.C.

Si tratta del primo dei cataloghi scientifici che costituiranno l'edizione completa del patrimonio fotografico del Museo di Roma, volta a documentare criticamente le trasformazioni edilizie e urbanistiche delle varie zone della capitale nel Novecento, per il beneficio di archeologi, studiosi e appassionati: quelle più eclatanti come la "spina" di Borgo, largo Argentina, via del Mare o le Mura e le porte urbiche, i ponti, ma anche i rioni più popolari. Due saggi introduttivi affrontano dal punto di vista tecnico-stilistico le campagne fotografiche del tempo e le inedite vedute in pittura delle medesime demolizioni d'epoca fascista. Fondamentali anche i testi che introducono topograficamente ai diversi Fori Imperiali per illustrare il patrimonio perduto, i singoli interventi e ritrovamenti "archeologici" - spiegandone il loro valore ideologico - documentati attraverso più di mille immagini di qualità compiutamente schedate.

Il volume si apre con alcuni saggi sulle collezioni di provenienza, soprattutto il lascito del conte Francesco Cini, che fanno della raccolta capitolina una delle più ricche d'Italia, e sulle celebri manifatture che le compongono. Segue il catalogo generale ragionato, con illustrazioni e schede delle opere principali e un repertorio completo dei pezzi corredato da schede più brevi e fotografie in b/n. Il nucleo principale delle collezioni è costituito dalle porcellane della manifattura di Meissen con diverse serie esposte. Appartengono invece alla produzione italiana gli esemplari delle fabbriche di Capodimonte, della Real Fabbrica Ferdinandea e di Doccia, i pregiati biscuit di Giovanni Volpato con le repliche in piccolo formato di celebri sculture classiche. Fu invece il marchese Mereghi a donare alla Pinacoteca Capitolina un folto gruppo di porcellane orientali.

Tre corposi saggi introduttivi narrano la storia della Pinacoteca, istituita nel 1749 per volontà di papa Benedetto XIV, negli ambienti costruiti appositamente in Campidoglio da Ferdinando Fuga, l'acquisizione delle collezioni di dipinti dei marchesi Sacchetti e del principe Pio di Savoia, e i diversi allestimenti delle raccolte arricchitesi nel tempo anche grazie a lasciti e acquisti. Il testo si articola cronologicamente, per scuole e per autori maggiori seguendo fedelmente l'attuale percorso espositivo, mentre un regesto rende il necessario conto delle opere collocate nei magazzini o in altri palazzi comunali. Le schede più ampie riguardano naturalmente le opere che fanno celebre questo museo: quelle dei maestri del Rinascimento (Bellini, Tiziano, Savoldo, ecc.), i due Caravaggio, i capolavori del Guercino e del Domenichino, la rassegna dei Guido Reni e Pietro da Cortona, le vedute orizzontali di Van Wittel, gli intensi ritratti di Van Dyck e Velázquez.

Prosecuzione ideale della mostra “L’invenzione dei Fori Imperiali”, presentata
lo scorso anno ai Musei Capitolini, la “Via dell’Impero” documenta il procedere
delle demolizioni nell’area dei Fori e completa la descrizione dei lavori urbanistici
per l’apertura del nuovo asse viario oggi intitolato via dei Fori Imperiali.
Gli interventi di scavo, ripristinando scenograficamente le antichità romane,
raccontano quanto il Governatorato volesse marcare la continuità
della Roma fascista con l’Impero Romano.
Il ricco repertorio fotografico eseguito da fotografi professionisti romani fra i quali
Filippo Reale, Michele Valentino Calderisi e Cesare Faraglia, registra i lavori
di demolizioni e scavi che portarono ad un emblematico collegamento visivo
fra il Colosseo simbolo della gloria imperiale e il monumento risorgimentale
dell’Altare della Patria a sottolineare la duplice eredità raccolta dal regime fascista.
Come consuetudine anche questa mostra è accompagnata da dipinti commissionati
dal Governatorato di Roma a Maria Barosso, Lucia Hoffmann, Giulio Farnese,
Odoardo Ferretti, Vito Lombardi e altri, per conservare memoria di tutto ciò
che andava scomparendo.
Inediti reperti di età romana, reperiti presso gli scavi chiudono
l’affascinante e straordinario percorso espositivo che restituisce il particolare clima di quegli anni segnato dal fervore e dall’entusiasmo per una città moderna e rinnovata.

E' passato molto tempo da quando, subito dopo la scomparsa di Pasquarosa, avvenuta quasi quarant'anni fa, si è fatta strada l'idea di dedicarle una mostra monografica che desse conto in maniera ampia e dettagliata della sua presenza nell'arte del Novecento. Dopo un doloroso quanto ingiustificato oblio, la figura umana e artistica di Pasquarosa ha iniziato a riaffiorare in ambito espositivo e bibliografico. A sostegno di questa azione di recupero si è costituito a Roma l'Archivio Nino e Pasquarosa Bertoletti, per riorganizzare filologicamente i materiali documentari riguardanti il suo lavoro nonché per poter riflettere scientificamente sull'intero corpus delle sue opere.

Il volume è il catalogo della mostra di Roma (Museo Carlo Bilotti all'Aranciera di Villa Borghese, 11 maggio - 1 ottobre 2006) dedicata a Hirst, Salle, Saville. L'esposizione, curata da Gianni Mercurio, presenta opere di grande formato espressamente commissionate da Carlo Bilotti ai tre noti artisti contemporanei. L'intento è creare uno spazio espositivo, più mentale che fisico: un ambiente meditativo in senso ampio, un ambiente che, come Bilotti stesso dice, "può metterti di buono o cattivo umore". I tre artisti, di fronte a questo progetto, hanno risposto in modo diverso, mantenendo la propria singolarità e autonomia. Damien Hirst affronta in questa occasione il tema dei Quattro Evangelisti con un approccio intellettuale-simbolista (neoconcettuale). David Salle riproduce alcune parti degli affreschi michelangioleschi della cappella Sistina, con una trasposizione in chiave moderna. Jenny Saville ha ideato tre grandi tele, identificando nel tema della malattia quello dell'espiazione, riflessione sulle sofferenze umane.

Il Museo Carlo Bilotti ospita 16 dipinti realizzati da De Kooning negli anni 1981-1988. Si tratta delle ultime opere del grande artista americano di origine olandese, concepiti e dipinti in uno stato di felice solitudine nel suo studio di Long Island. L'ammirazione dell'artista per Matisse si manifesta chiaramente nei colori e nell'essenzialità di questi ultimi lavori: l'uso del colore è esplosivo e i dipinti sono abbaglianti. L'opera offre certamente una nuova visione dell'ultimo periodo del maestro.

Le sue sculture percorribili, realizzate in lycra e imbottite di diversi materiali, mirano a un diretto coinvolgimento del pubblico nella convinzione che l'arte possa essere un luogo ideale di interazione con il prossimo. Il suo lavoro è stato esposto in alcuni tra i più importanti musei d'arte contemporanea internazionali e all'interno di grandi eventi espositivi come XXIV Bienal de São Paulo (1988), XI Sydney Biennial (1998), Liverpool Biennial of Contemporary Art (2000 e 2002) e Biennale di Venezia (2001 e 2003).

Il catalogo della prima mostra personale dell'artista israeliano in Italia dopo la sua performance alla Biennale di Venezia nel 2003. L'occasione unica di poter avvicinarsi alle complicate strutture dell'artista, pure basate su elementi molto semplici e razionali. Le installazioni di Nahum Tevet formano una sorta di architettura ossessiva, che nasce da forme e relazioni elementari per svilupparsi in complicati e densi allestimenti spaziali. La mostra al MACRO presenterà le opere Untitled 1995-96 proveniente da Stoccolma e Take Two 2005 dal FRAC Bretagne, Francia.

Nella sua produzione fatta di disegni su stoffa o su carta velina, di video animazioni e di piccoli oli, Avish Khebrehzadeh coniuga la suggestione delle fiabe e degli antichi racconti della sua tradizione. Il disegno, realizzato con un tratto di matita leggerissimo e colori tenui, e il video - cui si accompagnano musiche memori di antiche litanie - sono parte di un unico processo. La staticità del disegno crea un impatto immediato su chi guarda, mentre il video richiede un tempo maggiore per la narrazione che consente all'artista la costruzione delle fiabe alle quali si lega tutto il suo lavoro

Il catalogo della mostra che il MACRO dedica - nell'ambito del più ampio progetto sui protagonisti della Nuova Scuola Romana - a Giuseppe Gallo. L'esposizione antologica include dipinti e sculture dai primi anni 80 alle opere più recenti e sarà ospitata in seguito dalla Kunsthalle Mannheim e dal Musée d'Art Moderne di Saint-Etienne.

Gianni Dessì si è affermato a Roma all'inizio degli anni '80. Ha partecipato a numerose mostre in Italia e all'estero e a grandi eventi espositivi quali la Biennale di Venezia e la Quadriennale di Roma. Si è distinto anche come scenografo. Tra gli altri spettacoli teatrali dei quali ha curato le scene, Parsifal, presentato al Festival Internazionale di Edimburgo nel 2002. Le molteplici possibilità della sua ricerca indagano potenzialità figurativa e cifra astratta, rendendolo protagonista indiscusso di un'arte in cui, come scrive Danilo Eccher, "la materia è il corpo magico della pittura". Accanto alle opere più importanti del passato, verranno esposti al MACRO di Roma i più recenti sviluppi della sua ricerca, le opere su vetroresina. La mostra è completata da una camera picta, allestita appositamente per il MACRO. Lo spazio pittorico è definito attraverso la ricostruzione di un luogo in cui la composizione e la visione ruotano intorno ad un elemento centrale tridimesionale.

Inganno, intrigo, finzione, suspence. Un ascensore che non sale e non scende, una piscina in cui non si può nuotare, uno specchio che non riflette, una tromba delle scale visibile solo frontalmente, luci che filtrano al di sotto di una porta che, invece, si apre su una stanza buia. Luoghi comuni privati della loro essenza. È il gioco di illusioni che caratterizza le opere di Leandro Erlich, il giovane artista argentino che ha fatto della manipolazione percettiva la sua formula creativa. Il volume, curato da Irma Arestizábal, è il catalogo della mostra di Roma che ospita quattro installazioni ambientali dell'artista.

Marc Quinn è nato e vive a Londra. Nel 1984 ha iniziato a lavorare come scultore. Ha esposto in numerose mostre, tra cui: "Self" alla Jay Jopling/Grob Gallery (Londra, 1991), "Young British Artists II" alla Galleria Saatchi (Londra, 1993), "Sensation!" alla Royal Academy of Arts di Londra (1997), alla Barbara Gladstone Gallery (New York, 1992) e alla Fondazione Prada (Milano, 2000). Quinn utilizza vari media per indagare il modo di preservare le forme viventi. I suoi lavori intrecciano sempre la vita con la morte, il reale con l'immaginazione. Ha realizzato sculture per importanti piazze italiane e per Trafalgar Square a Londra. Con la pubblicazioni dei cataloghi MACRO, Electa ha affiancato il Comune di Roma in un importante progetto di valorizzazione dell'arte contemporanea.

Artista, architetto e film-maker cileno, attivo sulla scena internazionale fin dalla metà degli anni ottanta, Alfredo Jaar espone al Macro di Roma a partire da maggio 2005. Jaar affronta temi di grande urgenza e rilevanza generalmente non trattati dall'informazione pubblica, fa quindi dell'arte un canale alternativo ai consueti mass-media. Ha dato per esempio un volto alle vittime e ai testimoni del genocidio in Ruanda. In ogni opera ribadisce l'impegno dell'arte nel contesto sociale. Il suo lavoro è stato esposto in alcuni tra i più importanti musei d'arte contemporanea internazionali e all'interno di grandi eventi espositivi come le biennali di Parigi, di Venezia o le Documenta di Kassel.

Un'importante mostra monografica dedicata all'artista italiana più affermata e riconosciuta in ambito internazionale. Un catalogo ricco di immagini riassume il percorso storico-artistico e l'innovazione da lei apportata nell'arte contemporanea. Dopo una serie numerosa di mostre collettive e personali e una notevole quantità di premi nazionali e internazionali, una mostra viene interamente dedicata all'artista per la prima volta in un museo romano. E' sottolineata la sua ricerca su forma e colore, materia e segno: dai sicofoil degli anni settanta alla Casa labirinto, dai coni in ceramica agli ultimi monocromi.

Innovativa nel formato e nei contenuti, Macro Hall è a metà strada tra il catalogo tradizionale e il magazine: propone una documentazione fotografica di tutte le fasi di costruzione della mostra e una serie di interviste finalizzate a dare voce non solo agli aspetti curatoriali e allestitivi del progetto ma al processo creativo e ai percorsi dell'artista stesso. Entra inoltre tra i protagonisti anche il mondo dei visitatori, che in ogni catalogo troverà voce attraverso le domande e le curiosità suscitate dalle opere in mostra. In questo primo volume Edwin Wurm presenta tre opere che per tematica, dimensione e profilo narrativo, testimoniano tre distinti aspetti del suo lavoro: dal gigantismo ironico di 'Fat House', alla fiaba lillipuziana di 'Butterbrot I', fino all'allucinato scompenso percettivo di 'Truck', un'opera appositamente realizzata per l'occasione e co-prodotta da MACRO.

Il volume è il catalogo della mostra dedicata a Nicola De Maria (Roma, Museo d'Arte Contemporanea, 31 gennaio - 9 maggio 2004), significativo protagonista con Clemente, Cucchi e Paladino della Transavanguardia. De Maria sceglie la pittura come veicolo per esprimere la propria sensibilità, elabora un linguaggio fortemente poetico, realizza sia immagini figurative sia composizioni astratte. Il suo lavoro, che si concentra sull'astrazione pura, è caratterizzato da un brillante cromatismo con il quale recupera le antiche tecniche utilizzate dagli antichi maestri dell'affresco, rinnovando il rapporto con la tradizione pittorica e con la cultura classica.

Dal 1985 in poi, Tatsuo Miyajima ha presentato delle installazioni costituite da Led (diodi ad emissione di luce). L'insieme di questi Led lampeggiano nel buio mutando costantemente cifra dal numero 1 al 99, esprimendo il continuo cambiamento delle cose e la loro mutua relazione. Al Macro Miyajima presenta un'antologica costituita da cinque installazioni di cui due sono state realizzate appositamente per l'occasione. I lavori di Miyajima sono stati presentati in numerevoli biennali, musei e gallerie, tra cui la Biennale di Venezia (1998 e 2001), e il Centre Pompidou di Parigi.

Tony Cragg è uno dei più affermati scultori della nuova scuola inglese. Formatosi nell'ambiente del Minimalismo e del Concettuale, Cragg ha riproposto una nuova fisicità della scultura con il recupero dei più vari materiali. Dai primi rifiuti urbani come legno, bottiglie, rottami di plastica, piatti e giocattoli, Cragg propone oggi complesse sculture monumentali di sapore post-industriale intrise di significati filosofici e culturali.

Al Macro di Roma si tiene nel maggio 2005 la prima mostra personale in Italia di Stefania Galegati. L'artista presenta un progetto ideato esclusivamente per una delle sale Panorama del museo. Stefania Galegati è una delle giovani artiste italiane emergenti. Esordisce nel 1994 con una collettiva a Milano e da quel momento s'impone nel mondo dell'arte contemporanea come una delle figure più promettenti. Frequenta giovanissima l'accademia di Brera e viene selezionata per numerosi premi e collettive fino a vincere nel 2000 il premio per la Giovane Arte Italiana.

Jenny Saville è una delle maggiori esponenti della yBa (young British artists), il movimento artistico britannico più interessante degli ultimi decenni. E' la pittrice che più si è ispirata alle teorie femministe infrangendo i ruoli di musa, modella e amante storicamente assegnati alle donne nel mondo dell'arte. Tutta la sua recente produzione è incentrata sulla tematica femminista e sulla tematica transessuale e sfida l'immagine stereotipata che abbiamo del corpo femminile e maschile.

Alessandro Mendini (Milano, 1931) è uno dei pochi protagonisti della scena internazionale di architettura, arte e design capace di progettare in tutte le scale dimensionali possibili. Walter Gropius individuava con una celebre affermazione il campo di attività dell’architetto “dal cucchiaio alla città”: Mendini si è confrontato nel corso della propria attività con progetti “dall’infinitesimo all’infinito”.
Il volume dedicato ad Alessandro Mendini pubblicato dalle Edizioni Corraini è un flusso ininterrotto di immagini e occasioni all’interno delle opere e della filosofia progettuale del celebre architetto milanese. Progettare orizzonti, stanze, corpi e pensieri sono i quattro momenti di un percorso personale e suggestivo attraverso l’opera di Mendini: dall’arredo urbano alla decorazione d’interni, dagli oggetti e accessori progettati per il corpo all’attività di teorico dell’architettura e del design, Mendini è protagonista di un approccio personale ed estetizzante alla progettazione, che si distingue per la dimensione organica, emozionale e individuale della propria ricerca, che privilegia suggestioni psicologiche, materiche e sensoriali rispetto a un design e un’architettura più “razionali”. Non a caso, “poesia visiva”, “progettazione fiabesca e barocca”, “dilatazione labirintica degli spazi e delle sensazioni” sono solo alcune delle definizioni associate nel tempo alla sua multiforme produzione.
Nel volume, le immagini sono accompagnate da testi di Beppe Finessi (architetto, professore presso la Facoltà di Design e la Prima Facoltà di Architettura del Politecnico di Milano) e di Alessandro Mendini stesso, in cui l’architetto si racconta a partire dalla propria esperienza di progetto. Conclude il libro una sintetica biografia e bibliografia su Mendini e la sua opera.
Il bookdesign è curato da Italo Lupi (già art-director di Domus e direttore di Abitare, vincitore del Compasso d’Oro e Royal Designer di Londra): le piccole domensioni, la copertina rivestita in tela e la grafica nitida e brillante ne fanno una sorta di suggestivo e prezioso “breviario” e compendio dell’opera di Mendini

In tutta Europa e in America, tra la fine della prima guerra mondiale e l'inizio della seconda, il manifesto assume un ruolo preponderante: in Italia sì tratta di due decenni dominati dalle sperimentazioni delle avanguardie, in una varietà di linguaggi e di soluzioni che per la prima volta vanno incontro alle nuove esigenze della comunicazione di massa, della propaganda, della diffusione del mercato, di un'unificazione, insomma, del vivere e del gusto. In quest'ottica il manifesto diviene il veicolo principale - e prediletto sia dagli imprenditori sia dal pubblico - di una nuova immagine dell'Italia, che si vuole dinamica, veloce, arguta o, nel caso della grafica di regime, sicura e assertiva, fino alla violenza visiva. Un'Italia travagliata dai tragici errori della politica, ma capace di "modernità" e, anche nel confronto con altri Paesi occidentali, di un linguaggio figurativo audace e sperimentale. Campo di ricerca per i più grandi artisti del nostro Novecento, da Adolfo Wildt a Duilio Cambellotti, dai futuristi Balla, Depero, Tato e Prampolini a Mario Sironi e Lucio Fontana, il mondo del manifesto pubblicitario ha visto concentrarsi negli anni Venti e Trenta talenti riconosciuti: Leonetto Cappiello, Marcelle Dudovich, Gino Boccasile, Erberto Carboni, Bruno Munari, Sepo, Seneca, insieme a molti altri {più di sessanta gli artisti presentati), autori di prove grafiche ancora oggi sorprendenti per l'essenzialità del segno, gli arditi accostamenti cromatici, la varietà dei caratteri grafici.

Per de Chirico il disegno è impronta del pensiero, un genere con dignità pari se non superiore al dipinto.
La mostra si apre con uno straordinario gruppo di disegni metafisici concessi per l’occasione dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma e prosegue con tutti i più importanti lavori provenienti dalla Fondazione Giorgio e Isa de Chirico: una raffinata collezione che comprende tra l’altro i Ritratti di Rissa, i Nudi antichi (1926), il gruppo dei Gladiatori, Hebdomeros del 1928 e la suggestiva serie dei Mobili nella valle e dei Bagni misteriosi degli anni Trenta.
Sono esposti inoltre, sempre dalla collezione della Fondazione Giorgio e Isa de Chirico, i disegni realisti degli anni quaranta, tra cui l’impressionante Autoritratto come Cristo sul Calvario e l’inaspettata, affettuosa serie di schizzi coi cani di famiglia.
Le incisioni per L’Apocalisse del 1941 e le carte del periodo neometafisico degli anni sessanta e settanta completano il percorso espositivo, che si chiude con una sezione riservata ai disegni (scene, costumi, figurini) per il teatro. Ad integrazione della sezione teatrale sono anche presentati i bellissimi costumi per Pulcinella del 1931 e Protée del 1938, recentemente acquisiti dalla Fondazione e mai esposti prima.
La mostra rientra nella serie diversificata di eventi che, sotto la guida e la regia di Achille Bonito Oliva, si svolge tra il 2008 e il 2010 con il nome emblematico di Immortalità a Giorgio de Chirico, in occasione del trentennale della morte e dei 120 anni dalla nascita.

La mostra (Roma, Museo di Roma in Trastevere, 19 dicembre 2007-24 marzo 2008) dedicata a Ettore Roesler Franz nel centesimo anniversario della scomparsa, avvenuta il 26 marzo 1907, rappresenta un’occasione unica per conoscere meglio l’opera dell’artista romano che fissò nei suoi acquerelli i “paesaggi della memoria”, documenti insostituibili per ricostruire la fisionomia urbanistica e sociale di Roma e dei suoi dintorni nella seconda metà dell’Ottocento.

E’ dalla fantasia senza limiti di Paul Cox, artista francese tra i più apprezzati, che nasce “Un libro di linee”. Invece di fare il classico libro di disegni da colorare, Paul ha preparato un libro da colorare al contrario: sulla carta non ci sono linee ma solo colori, a cui dare forma, contorno, senso. Di più: c’è anche spazio per le parole e le storie che possono nascere da quelle che sembrano solo semplici macchie.
Catalogo stampato in occasione dell'installazione/mostra "Jeu de construction" a Casina Raffaello, Villa Borghese, dal 28 settembre al 3 dicembre 2006

La mostra, di cui questo volume è il catalogo, affronta le relazioni tra arte e cinema, indagando il lavoro di alcuni artisti contemporanei – tra cui Fabio Mauri , Tracey Moffat, Adam Chodzko, Grazia Toderi, Giulio Pasolini – sulla figura e soprattutto sull’opera di uno tra i più interessanti intellettuali italiani del dopoguerra, Pier Paolo Pasolini. Pasolini stesso, allievo di Roberto Longhi all’Università di Bologna, era stato fortemente influenzato, soprattutto nelle sue opere di regia, dall’arte figurativa., considerata vera e propria fonte di materiali da cui attingere: l’influenza della pittura, presente nello stile, è testimoniata anche da numerose citazioni e riferimenti presenti nelle sue opere cinematografiche. In catalogo testi della curatrice, di Achille Bonito Oliva, di Giacinto Di Pietrantonio e di Francesco Leonetti, la “voce del corvo” di Uccellacci uccellini.

Il volume riunisce gli atti del convegno organizzato nell'ambito delle manifestazioni del centenario e incentrato su due temi, la storia e la gestione di Villa Borghese. La storia quale fondamento per la conoscenza e per la comprensione del valore dei luoghi. La gestione quale strumento indispensabile per conservare nel migliore dei modi questo patrimonio, coniugando l'uso pubblico con una corretta tutela dei luoghi e dei manufatti che permetta di leggere ancora un frammento importante della storia della città di Roma.

Villa Osio viene edificata alla fine degli anni Trenta quando Arturo Osio, tra i fondatori della Banca Nazionale del Lavoro, affida la costruzione a un allievo di Piacentini, Cesare Pascoletti. Il progetto di restauro di villa Osio a Casa del Jazz nasce dalla confisca della residenza appartenuta al boss della banda della Magliana, Enrico Nicoletti e, successivamente, assegnata al comune di Roma. Il volume documenta tutte le fasi del progetto di conversione - sviluppato da Zètema Progetto Cultura con l'architetto Guido Ingrao - che ha portato alla realizzazione di una nuova struttura che offre un auditorium multifunzionale per proiezioni, incontri e concerti, una sala di registrazione, un archivio audiovisivo oltre a biblioteca, caffetteria e foresteria.

Lasciare il proprio paese in cerca di una realtà migliore. Questo è emigrare. Sotto il cielo di Roma si intrecciano otto storie di imprenditori venuti da lontano: Roman, parrucchiere ucraino, ha aperto un salone; Kader, tuareg algerino, vende kebab e granite in un grazioso locale; Pilar impreziosisce party, feste e celebrazioni di ogni genere con l’ausilio di fantasiosi e coloratissimi palloncini; Ana è titolare di un’agenzia di franchising; Weldu ha un ristorante eritreo; Marcela ora coltiva un podere alle porte di Roma; Sonia, venuta dalla Cina, conduce uno dei migliori ristoranti in città; Bebot, filippina, è riuscita ad aprire una pasticceria tutta sua. Roma. Quando l’immigrazione produce è una narrazione di tipo giornalistico e fotografico che non mancherà di affascinare molti lettori coi colori, sapori e profumi di terre lontane a noi vicine.